Die Arbeit „Samsara – Transition, Sound on the path” weist auf unsere aktuelle Situation in der Welt hin, in der sich alles im Wandel befindet und eine große Unsicherheit besteht.

Sie soll einen Raum für Gedanken eröffnen, wie man mit solchen Erkenntnissen umgehen kann, ohne die Hoffnung zu verlieren.

Die Motivation für das Projekt ist aus der Verunsicherung entstanden, die noch vor kurzer Zeit undenkbar war und die uns in unserer Gesellschaft, aber auch individuell seit einigen Jahren durch die Covid-19-Pandemie und den Ukraine-Krieg und weitere Konflikte umfängt.

Journalisten und ehemalige Friedensparteien benutzen Kriegsrethorik und es wird von einer Zeitenwende gesprochen. Hinzu kommt die Angst vor dem Klimawandel und auch hiermit verbundenen Einflüsse auf unser tägliches Leben.

Die Auswirkungen auf das persönliche Umfeld, auf Regionen und die gesamte Welt sind aktuell deutlich spürbar. Vielerorts scheinen, oft unbegründete, Ängste das soziale Leben zu bestimmen und Gesellschaften zu spalten.

Als Künstler möchte ich dies und meinen eigenen Zugang dazu thematisieren.

Sind es wirklich Zeitenwenden? Und wenn ja, was sind unsere Bilder von „normalen“ Zeiten und den jetzigen?

Im ehemaligen Fotostudio Jünger werden Klangräume als Erfahrungsraum geöffnet, in dem jede:r Besucher:in individuell Stellung beziehen kann.

Peter Kiefer stammt aus Aachen und hat Schlagzeug bei Josef Offelder und dann Komposition bei Herbert Nobis an an der Hochschule für Musik und Theater Köln, Abtl. Aachen studiert; sowie Philosophie, Theater- und Musikwissenschaften an der Uni Köln.

Mit der Treibhaus-Initiative hat er zwischen 1986 – 95 zahlreiche Konzerte und Projekte Neuer Musik in Aachen veranstaltet.

Er lehrte an der Kunsthochschule für Medien Köln und ist seit 2001 Universitätsprofessor an der Johannes Gutenberg-Universität Mainz. Dort etablierte er den, an einer Musikhochschule einmaligen, Studiengang Klangkunst-Komposition.

Bei seinen Kompositionen für Instrumente und Elektronik liegt der Schwerpunkt immer auf dem Raum – diese waren u.a. Cathedrale Notre Dame in Luxembourg oder im Kammermusiksaal der Berliner Philharmonie zu erleben.

Als Klangkünstler wurden seine Arbeiten in der Akademie der Künste in Berlin, der Brückenmusik X in Köln, der Soundart in Hannover und von der Bauhütte Klangzeit in Wuppertal präsentiert.

Er ist Kurator von Ausstellungen und Berater von internationalen Museen und war künstlerischer Leiter mehrerer Festivals zur Klangkunst sowie Herausgeber mehrerer Bücher zum Thema: zuletzt „Exhibiting Sound Art“ im Wolke Verlag.

Vorträge führten in u.a. an die Columbia University New York, an die University of California Santa Barbara; und Forschungsreisen nach Nord- und Süd-Zypern, Spanien, Portugal, sowie 2023 nach Sikkim, Bengalen und Himachal Pradesh in Indien.

Seit 2019 ist Kiefer Mitglied der Akademie der Wissenschaften und der Literatur Mainz und des Deutschen Künstlerbundes.

www.Peter-kiefer.de, www.klangkunst.de, soundart.uni-mainz.de

Prof. Stefan Fricke, geboren 1966 in Unna (Westf.), studierte nach dem Zivildienst Musikwissenschaft und Germanistik an der Universität des Saarlandes in Saarbrücken. 1989 Mitbegründer des auf Literatur zur zeitgenössischen Musik spezialisierten Pfau-Verlages (www.pfau-verlag.de). Zahlreiche Publikationen zur Neuen Musik, Klangkunst und Fluxus. Er ist Redaktionsleiter Neue Musik | Jazz | Klangkunst beim Hessischen Rundfunk (hr2-kultur) in Frankfurt am Main und lehrt als Honorarprofessor an der Hochschule für Musik Mainz der Johannes Gutenberg-Universität Mainz. Mitherausgeber der Zeitschrift „MusikTexte“ (Köln).

Die Programme der 51 %-Serie sind der Musik von Komponistinnen gewidmet. Das ist auch heute noch keine Selbstverständlichkeit, obwohl ca. 51% der Weltbevölkerung weiblich sind. Das Kairos Quartett bezieht seit Jahren immer mehr Musik von Komponistinnen ein, aber in diesem Programm sollen sie einmal voll auf ihre Kosten kommen. Es geht also nicht um das soziale Engagement oder das Ghetto für Komponistinnen, sondern es gibt so viele unglaublich tolle Kompositionen, dass wir viele Programme damit entwickeln könnten. Deshalb ist „Fantastische Musik von Komponistinnen“ ein work-in-progress.

Programm:

Larisa Vrhunc [*1967] Vertical Concerto grosso for string quartet and various performers [2015]

Francesca Verunelli [*1979] Unfolding II für Streichquartett [2021]

Clara Iannotta [*1983] A Failed Entertainment für Streichquartett [2013]

 Jieun Jun [*1988] Streichquartett [2012/13]

Mitwirkende

Kairos Quartett

Delia Ramos Rodríguez und Alexa Renger • alternierende Violinen
Simone Heilgendorff • Viola
Claudius von Wrochem • Violoncell

Was ist künstlerische Intelligenz? Mit der Frage hat sich auch das Neue Musik Ensemble Aachen beschäftigt und wählte für seinen Teil des Doppelkonzertes am Samstag Werke von Komponisten, die neue kompositorische Verfahren entwickelt haben und damit als Vordenker und Wegbereiter für ganze Generationen der Komponisten gelten. Auch der Aspekt des intelligenten Interpreten wird im Programm berücksichtigt. Werke von John Cage, Arnold Schönberg, Iannis Xenakis und Tristan Murail u. a.

„Liminal Lines“ ist eine Live-Performance elektronischer Musik von Viola Yip anhand ihres selbstgebauten tragbaren Instruments und ihrer Körperbewegungen. Sie erforscht eine Choreografie zwischen Klang und Bewegungen, die über die traditionellen Vorstellungen von Techniken und Ausführungen hinausgeht.

Dieses tragbare Instrument in Form eines Kleides besteht aus verschiedenen Audiokabeln, die die Leitung von Audiosignalen ermöglichen. Wenn ihr Körper das Kleid trägt, ermöglicht sie durch ihre Körperbewegungen ein breites Spektrum von Distanz, Druck und Geschwindigkeit. Diese Körper-Instrument-Interaktionen schaffen performative Beziehungen zwischen dem Instrument und dem menschlichen Körper und ermöglichen im Verlauf der Zeit das Entstehen und die Modulation komplexer Klänge.

Viola Yip stammt ursprünglich aus Hongkong und ist eine in Berlin lebende interdisziplinäre Klangkünstlerin. Sie interessiert sich für die Herstellung neuer selbstgebauter Musikinstrumente und Klangwerke an der Schnittstelle von Komposition, Performance, Improvisation und Klangkunst. Sie erforscht dabei verschiedene Beziehungen zwischen Medien, Materialität, Raum und unseren musikalischen Körpern in der experimentellen Musik.

Ihre Instrumente und Auftritte wurden präsentiert auf Musikfestivals und Veranstaltungsorten wie Issue Project Room in NYC, The New School, Look and Listen Festival, Stanford University, UC Berkeley, Cycling ’74 Expo, Hong Kong Arts Center, Queen’s University Belfast, University of Huddersfield, QO-2 Brüssel, Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe, A L’arme! Festival Berlin, Seanaps Festival Leipzig, ZiMMT Leipzig und Pinakothek der Moderne München.

Sie erhielt eine lobende Erwähnung des Giga-Hertz-Preises 2021 am ZKM in Karlsruhe.

https://www.violayip.com

Die Entwicklung der KI-Forschung und der „Machine-Learning“ Systeme ist von Interesse, insbesondere für kleinere Startups, die individuelle Musik-Plattformen anbieten. Diese Systeme können zwar einfache Musikformen generieren und kommerzielle Funktionen bieten, aber können sie auch bei künstlerisch anspruchsvolleren Kompositionsprojekten helfen? Diese Frage war der Ausgangspunkt der Arbeit zwischen 2020 und 2022. Verschiedene Systeme wie OpenAI Magenta Studio (Google), Aiva, Amper, Alysia und Masterpiece Generator wurden untersucht und getestet. Musik und Texte wurden stark von KI-Berechnungen beeinflusst. Im Gegensatz zu eigenen Algorithmen hatte der Künstler bei diesen Systemen nur wenig Einfluss auf die Art der Verarbeitung. Es wurde bewusst ein künstlerisches Risiko mit Überraschungsmomenten eingegangen.

„Vor allem wollte ich auf die Verwendnung innerhalb meiner Strukturen eingehen und suchte besonders nach der Interaktionsmöglichkeit zwischen eigenem Material und den daraus resultierenden Vorschlägen der KI App. Die Weiterentwicklung der Motive unterschiedlicher Ebenen sowie die gegenseitigen Reaktionen liegen diesen beiden Produktionen zugrunde. Der eigentliche kompositorische Vorgang sowie die Auswahl lagen immer in meiner Hand, ebenso die Dramaturgie und Form der Stücke.“

Die Komposition „Bewegung-Farbe-Stillstand“ wurde in einer neuen Version mit Klarinette, Klavier und Elektronik für das „In Front Festival“ 2023 erstellt.

„Bewegung – Farbe – Stillstand“ (2021/23)

für Klarinette, Klavier und Elektronik

„to be continued“ (2020/21)

für Sopran, Klavier und Elektronik

Catharina Marquet – Sopran

Regina Pastuszyk – Klarinetten

Theo Pauss – Klavier

Christian Banasik – Elektronik

Christian Banasik (* 1963) studierte Komposition und Live-Elektronik bei Günther Becker und Dimitri Terzakis an der Robert Schumann Hochschule in Düsseldorf sowie bei Hans Zender an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst, Frankfurt am Main. Computermusik Seminare bei Clarence Barlow an der Hochschule für Musik und Tanz Köln. Banasik unterrichtet Audiovisuelles Design (Medienkomposition / Sound) an der Hochschule Düsseldorf / Peter Behrens School of Arts. Neben Kammermusik, Live-Elektronik und Medienkunst produzierte er auch Hörspiele, Filmsoundtracks und Musiktheater.

Vier improvisierende Musiker – sie gehören zu den Besten ihres Fachs. Sie stellen ihr aktuelles 3-fach Album TALES vor.

Spielfreude und meisterliches Können – farbenreiche Kompositionen, inspirierte Improvisationen und intuitives Spiel fügen sich zu einem harmonischen Ganzen, den Instrumenten werden ungeahnte Klänge entlockt. Alle Musiker benutzen auch elektronische Erweiterungen ihrer Instrumente. Sie sind sowohl im klassischen Fach wie auch im Jazz virtuos zuhause und stellen einen hohen Anspruch an ihre Tonkultur, immer auf der Suche nach dem ‚magischen Augenblick‘ auf der Bühne. Durch ihr oft intuitives Zusammenspiel bringen sie mit musikalischem Feingefühl innere Welten zum Klingen. Sie werfen sich die Themen wie Bälle zu, mitunter komplexe, virtuose Ton- oder Akkordfolgen, lebhaft und jazzig, dann wieder harmonisch-melodiös, ruhig und innerlich. Ein fesselndes musikalisches Erlebnis.

Markus Stockhausen Flügelhorn/Tp
Jeroen van Vliet Piano, Synthesizer
Levan Andria Cello
Christian Thomé Drums

Das Pablo Held Trio ist derzeit eine der lebendigsten und bedeutendsten Formationen des europäischen Jazz.

Es überschreitet die Grenzen zwischen Komposition und Improvisation, indem es auf Festlegungen – eine Abfolge von Themen und einen vorgezeichneten Weg, diese zu präsentieren – bei Konzerten verzichtet. Das Risiko radikaler Spontaneität verleiht dem Trio seit Jahren Flügel, so dass es zum Modell einer Ästhetik geworden ist, welche man nur bei wenigen Künstler:innen findet. Die Kohäsion des Pablo Held Trios beruht auf Freundschaft und auf dem schöpferischen Willen, beständig Neuland zu betreten. Das künstlerische Gewicht und die Eigenständigkeit der drei Ausnahmemusiker ist ein Anziehungspunkt für einen wachsenden Kreis kongenialer Musiker:innen des europäischen und amerikanischen Kontinents, die das Trio häufig erweitern.

PABLO HELD piano

ROBERT LANDFERMANN bass

JONAS BURGWINKEL drums